Alice Pasquini ha desarrollado diferentes caminos en su investigación, desde narrar la vitalidad femenina hasta manipular las posibilidades tridimensionales de su trabajo. Pasa de exploraciones urbanas a instalaciones utilizando materiales encontrados, y sus obras de arte se han exhibido en galerías y museos en más de cien ciudades de todo el mundo. Llegamos a Alice en Italia al final del período de confinamiento para hablar sobre su arte y sus próximos proyectos.
Hola, Alice, ¿cómo estás pasando estos días horribles? ¿Te convencieron las medidas de confinamiento?
En Italia, la situación ha sido realmente trágica. Ahora las cosas van mejor, así que el confinamiento parecía la única alternativa posible.
Mi vida como artista callejero siempre ha estado en la carretera. Obviamente, esta tragedia que nos sorprendió a todos ha alterado mis planes al cancelar en muy poco tiempo todos los viajes y proyectos de pared planificados desde hace mucho tiempo. Me encontré con mucho tiempo disponible en el estudio, que afortunadamente está detrás del edificio donde vivo. Pero realmente eché de menos el contacto con la ciudad. Todo mi arte habla de personas y se alimenta de encuentros y viajes. Seguramente llegará un momento en el que podré elaborar todo esto artísticamente, pero ahora es demasiado pronto.
¿Cómo crees que será el regreso a la vida normal? Quiero decir, ¿nos olvidaremos a toda prisa de esta pesadilla, o no confiaremos en nuestro vecino y su posible contagio durante mucho tiempo?
Este tiempo de cuarentena nos está enseñando mucho y nos está dando tiempo para reflexionar. Espero que haya un cambio. El hecho de que la naturaleza esté tomando espacio es algo que definitivamente es reconfortante y un lado positivo para los momentos difíciles a los que nos enfrentamos. El cielo es más claro, el aire es más transpirable y definitivamente hay menos contaminación circulando.
Sueño con un futuro verde, con mayor conciencia. La fragilidad del planeta es clara y, al mismo tiempo, también es mucho más fuerte que nosotros. Así que espero que sea un mañana en el que todos seamos más respetuosos el uno con el otro.
Crédito de la foto: Jessica Traviglia
¿La situación actual te ha inspirado algún trabajo nuevo, o prefieres no estar “infectado” por la actual proliferación de retratos con máscara?
Siempre he estado pintando a una chica con máscaras en la calle. Ahora nada. Para mí, la máscara tenía un significado completamente diferente sobre la protesta y la cultura clandestina. Ahora, por supuesto, ya no puedo verlo de la misma manera.
Esto me da la señal para empezar a hablar sobre la relación entre el arte callejero y su difusión en línea. Empezó hace casi 20 años, definitivamente eres uno de los pioneros en compartir, tus trabajos han comenzado a viajar por todo el mundo gracias a los blogs y las redes sociales. Hoy me parece que el equilibrio entre el trabajo físico y su difusión virtual ha cambiado radicalmente. Muchas de las obras que apreciamos en Instagram ya están diseñadas y creadas con la clara intención de vivirlas en línea. ¿Sientes este cambio?
Los tiempos son diferentes. Al principio necesitaba ir más allá de los límites de mi estudio, y más allá de la visión elitista del arte. El arte callejero tenía más sentido para mí que un lienzo blanco o una obra de arte digital. Hoy sigo sintiéndome así incluso después de haber pintado tantas paredes en todo el mundo, pero estoy mucho más centrado en crear proyectos sociales y colectivos donde el arte puede convertirse en una forma de arrojar luz sobre situaciones de las que no siempre es fácil hablar.
Sí, hubo un momento en el que entendí que el arte callejero se estaba convirtiendo en algo “genial”. Ya había estado trabajando como ilustrador y diseñador callejero, pero nunca pensé que lo que estaba haciendo por pasión se transformaría en mi trabajo. No olvidemos que, como en ese momento no había redes sociales y el graffiti generalmente se consideraba algo feo y horrible, y mi padre seguía preguntándome por qué lo estaba haciendo… Pero tengo que decir que antes que nada, en realidad era la gente normal la que me empujó a seguir adelante.
Una vez en 2010, unas horas después de pintar una puerta, la encontré en eBay. Ese fue el mismo año en que descubrí que la gente hacía giras de arte callejero y hubo una explosión de galerías de arte callejero, festivales y subastas.
Parece que la ubicación física ya no es importante, cada pared en cualquier parte del mundo puede ser un lienzo en blanco perfecto para expresarte, incluso la pared de tu patio trasero. Y creo que esto es positivo, pero al mismo tiempo mata todo el encanto del trabajo nocturno, de apropiarse de espacios no asignados y, por supuesto, del descubrimiento mágico de una nueva pieza en un lugar inesperado… ¿Qué piensas al respecto?
Internet está jugando un papel importante. La gente puede ver tu pieza, tomar una foto y sentir que es suya compartiendo con los amigos o en las redes sociales. Para un artista independiente, significa que puedes vivir con tu propia capacidad con un contacto directo con tus seguidores.
Pero para mí, una gran parte de la magia del arte callejero es el momento en que una persona pasa y de repente se enfrenta a algo que le gusta de la nada. Es muy diferente a la percepción de una persona que va a una galería o a ver algo en Internet, tal vez ya con una idea.
Lo que también es diferente es la forma en que un artista está pintando algo con prisa en la calle en contexto o con calma en su estudio solo consigo mismo.
Creo que si un artista es un artista, la obra es válida en la calle o en el museo, en las paredes o virtualmente. Pero para mí la calle siempre es mejor.
En la calle, la creatividad está influenciada por muchas cosas; desde la luz y los colores de los alrededores hasta las personas que pasan y reaccionan, así como la superficie de la obra de arte. Para mí, la pintura viene del lugar donde se concibe y me parece muy interesante que evolucione junto con la ciudad una vez que me voy.
Crédito de la foto: Francesca Gattai
¿Alguna vez has sentido la presión de las redes sociales en tus elecciones artísticas? Quiero decir, hoy en día la retroalimentación sobre una nueva pieza es inmediata, un retrato funciona, otro menos, algunos colores dan diferentes reacciones… ¿Alguna vez te ha influido?
En realidad no. Personalmente, hablo sobre las emociones humanas y las relaciones entre las personas. Eso es lo que más me influye. Los muros de todo el mundo eran una forma de transmitir un mensaje de estar unido, incluso si eso parece banal, en oposición al cinismo desenfrenado. Las paredes en sí mismas siempre han sido una fuente de inspiración, el color, la historia y el contexto, y tomo de eso para comenzar mi creación. Siempre cambia, de Moscú a Singapur, de Berlín a Sídney. Como no creo en la felicidad como concepto, mi inspiración viene de buscar los pequeños momentos que, para mí, son el sentido de la vida.
Y en los últimos años, ¿cuántas veces tratas con nuevos artistas de plantillas, que “inspirados” en tu estilo, han promovido afortunadamente sus obras? Quiero decir, tal vez sus obras de arte no eran tan buenas, pero tal vez eran mejores usando las redes sociales, captando la atención de los medios de comunicación promocionando sus obras en línea… ¿Crees que hay meritocracia en la web? Me refiero a la misma meritocracia que podría haber estado en las calles hace 20 años.
Las cosas han cambiado. Vivía en la ciudad, estando en la calle todos los días, mi objetivo no era ser popular o vender arte. Se trataba de encontrar mi propia voz y compartir emociones con la ciudad de nuevo, la idea del arte con la gran A.
Ahora mismo hay un poco de reflujo en el movimiento. Parece que muchos artistas quieren intentar ir más allá de la calle o tener más seguidores. ¿Para hacer qué, volver a entrar en el sistema? Quería escapar del sistema de arte estándar después de la academia de bellas artes, pero es obvio que el momento de vanguardia ha terminado desde hace un tiempo. También hablando de la meritocracia desde el punto de vista de una mujer, hay diferentes obstáculos. Trato de proponer a una mujer de verdad como modelo en un mundo donde las heroínas de los cómics tienen que ser hermosas, las revistas para mujeres están llenas de consejos sobre maquillaje y “pruebas” o “cuestionarios” sobre las mujeres y su papel. Todo mi trabajo es desde la perspectiva de una chica y habla de la vida real, a veces que también puede ser brutal para las mujeres.
De la vida laboral a la vida privada. Desde un punto de vista artístico, siempre me alegra ver que hay cada vez más mujeres en la escena de las que había al principio.
Esto me da la oportunidad de hablar sobre tu técnica. Tal vez puedas alcanzar la fama durante una semana adivinando la imagen correcta para publicar en Instagram, pero la selección natural del tiempo descarta a los más débiles. Tus plantillas siguen siendo técnicamente inigualables después de una década. Si pudieras responderme con una sola palabra, ¿cuál elegirías para expresar el secreto de su belleza?
Más que una razón técnica, creo que se trata de la oportunidad de que los espectadores se identifiquen con el tema de la pintura.
¿Crees que has alcanzado el máximo posible en la técnica de plantillas? ¿Crees o esperas que puedas experimentar algo completamente diferente en los próximos años?
Para mí, la plantilla es solo una herramienta, no un estilo. Usé la plantilla para ir rápido, pero toda mi gran pared está hecha a mano alzada sin proyector ni parrillas. Para dibujar, uso papel de acetato que puedo mirar para encontrar las proporciones correctas.
Cada pared que pinto toma forma en uno de mis muchos cuadernos de bocetos que siempre llevo conmigo. Mi cuaderno de bocetos es mi viaje, donde recojo pensamientos y emociones que, en un segundo momento, se pintan a gran escala.
Después de más de 2000 pinturas en diferentes superficies y modos de transporte, he hecho mucho de lo que me he proponedo hacer, pero aún así me encantaría pintar un globo de aire caliente.
Crédito de la foto: Accursio Graffeo
Hablando en lugar de la elección de los temas, incluso en este caso creo que se puede decir que fuiste un pionero en traer retratos de personas comunes al arte callejero, involucrándolos en el proceso creativo, algo definitivamente 2.0. ¿Crees que fue decisivo en tu carrera artística? Hubiera sido lo mismo si te hubieras dedicado a los retratos de… ¿sabes, Marilyn Monroe?
De todos modos, no lo haría. Porque no es una forma fascinante para mí. En cambio, me interesan las personas reales, que representan imágenes en movimiento, momentos de la vida que de alguna manera son universales, en los que el concepto no cambia con el tiempo o la moda: era lo mismo hace cincuenta años, será lo mismo en cincuenta años. Dibujo a la gente en el autobús, en el aeropuerto, en el bar o en el parque. Dibujo a mis amigos, a mis hermanas, durmiendo o tomando el café. No soy retratista. Me gusta contar historias muy pequeñas e íntimas. Mis fotos celebran un momento privado en un espacio público. La belleza de la fragilidad.
Definitivamente has creado un estilo reconocible, y creo que es el mejor resultado al que un artista puede aspirar. Hoy en día la gente ve tu trabajo y exclama: “Alicia” en un instante. Pero, ¿podrías decirme, si ha habido, momentos en los que dijiste: “¡Este estilo me enjaula! ¡Quiero cambiarlo todo!”
Tu signo es tu estilo. Y el estilo lo es todo para un artista. Creo que encontrar un signo instintivo es fundamental. Por supuesto, como artista siempre he tratado de experimentar con diferentes técnicas cuando hablamos de trabajo en la galería. A través del trabajo con artesanos u otros artistas, he creado mosaicos, obras de arte en 3D, esculturas de terracota, instalaciones. Mis exposiciones en una galería no son la fotocopia exacta de lo que hago en la calle.
Crédito de la foto: Francesca Gattai
¿Podrías decirme tres momentos clave en tus 20 años de carrera? Pueden ser personas que conociste, o exposiciones y festivales importantes a los que asistió… Por favor, trata de resaltar tres momentos/personas que marcaron la diferencia en tu camino artístico.
Viendo mi gran monografía publicada: Crossroads, publicada por Drago. El Cvtà Street Fest, el festival que he estado organizando desde 2016 en un pueblo abandonado en el sur de Italia con el objetivo de repoblarlo. Ser incluido en Treccani, la enciclopedia oficial italiana.
Pequeña curiosidad: aunque has logrado afirmar tu estilo en todo el mundo, dime un talento/calidad que te gustaría “robajar” a tu artista favorito. Quiero decir, esa cosa que crees que nunca podrías lograr por ti mismo.
Hay muchos artistas que admiro. A menudo, los artistas que me gustan no tienen mucho que ver con lo que hago. Por ejemplo, cuando tenía 18 años, viajando con amigos por Italia, ir a las villas palladianas pintadas por Veronese fue definitivamente un momento que me inspiró mucho por la fuerte conexión entre la pintura y la arquitectura. Pero también por la capacidad de luchar contra la moralidad con ironía.
Crédito de la foto: Francesca Gattai
Entonces juguemos con el tiempo: has reservado una mesa para 4, y puedes invitar a quien quieras de Ramsés II a Billie Eilish. Dime tu DDT, Dinner Dream Team.
El emperador Adriano, la autora inglesa Virginia Woolf, Alejandro Jodorowsky y los hermanos Marx, pero probablemente no todos juntos.
Entonces soy generoso y te doy un segundo superpoder: puedes tomar algo del presente, lo que quieras, un iPhone o un Tesla, tal vez Facebook o Google Maps y llevarlo como regalo a una figura histórica. ¿A quién eliges y qué traes?
Un GPS a Cristóbal Colón.
Bueno, supongo que nuestro tiempo se está acabando, dejémonos con tu visión para el final de esta pesadilla. Por favor, dígame los proyectos que le gustaría lograr y algo de lo que finalmente se desharía.
Me gustaría pintar en la Antártida, el único continente que nunca visité. No soy bueno para deshacerme de las cosas. Todavía estoy aprendiendo.
Crédito de la foto destacado: Craig Schultz (vuelo B4)
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