El trabajo de la artista visual contemporánea Marcela Florido es una reflexión sobre temas más amplios de género, raza e identidad a través de una representación vibrante de figuras femeninas rodeadas de vegetación. Su práctica cuestiona las ideas modernas de la representación del cuerpo y su relación con el contexto brasileño.
Su trabajo ha sido ampliamente expuesto en Europa, los Estados Unidos, América Latina, África y los Emiratos Árabes Unidos. Recientemente, tuve la oportunidad de entrevistar a Marcela Florido para hablar sobre sus antecedentes artísticos, su estilo técnico y su proceso creativo.
Rom Levy: ¿Puedes contarnos tus antecedentes, de dónde vienes y cómo te convertiste en artista?
Marcela Florido: Crecí en la dinámica ciudad de Río de Janeiro, Brasil, donde estaba rodeada tanto de una metrópolis bulliciosa como de la belleza de la naturaleza. La energía única de Río siempre me ha cautivado. Sin embargo, a los 18 años, decidí irme y explorar nuevas oportunidades en el extranjero, donde finalmente pude perseguir mi pasión por el arte y crecer como artista.
Mi viaje como artista comenzó con mis estudios en Central Saint Martins y en la Escuela de Bellas Artes de Slade. Londres fue un punto de inflexión para mí porque allí, estuve expuesto a las excentricidades de las pinturas británicas de la posguerra y me enamoré de los nuevos enfoques del surrealismo. Rodeado de estas nuevas influencias, me sentí liberado de mis raíces culturales y empoderado para desarrollar aún más mi voz artística.
En 2013, completé mi maestría en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale y me mudé a la ciudad de Nueva York, donde ahora vivo y trabajo. Durante mi tiempo en Yale, descubrí que la experiencia fue un momento decisivo en mi relación con la pintura. La escuela me obligó a contextualizar mi trabajo mucho más en el presente y en relación con otros artistas jóvenes en lugar de con el pasado y sus tradiciones. Esta fue una desviación significativa de mi experiencia anterior en Londres, donde había aprendido a pensar en mi trabajo como parte de una narrativa histórica más amplia. A pesar de los desafíos a los que me enfrenté durante mi transición a la ciudad de Nueva York, descubrí que este movimiento finalmente me abrió los ojos de nuevas maneras y me ayudó a aclarar el papel que quería desempeñar en el mundo del arte. Al final, pude encontrar una comunidad de apoyo de artistas de ideas afines y un nuevo hogar en esta emocionante y trepidada ciudad.
Nueva York, al igual que Río y Londres, es un crisol de cultura y creatividad. Me inspira y desafía constantemente, proporcionándome la libertad de ser el artista que quiero ser y contribuir a la conversación en curso en el arte.
¿Cómo describirías tu estilo artístico y los temas que exploras?
Mirando mis nuevas pinturas en mi estudio, las veo como juguetonas, caprichosas y atrevidas. Son grandes y representan a mi personaje recurrente, un pseudo-yo caricaturesco que ha sido el tema de mis pinturas durante los últimos tres años. Los últimos trabajos exploran la interacción entre el color, la forma y la textura de una nueva manera.
Desde el verano de 2022, he empezado a jugar a pintar sobre seda. Ha sido una larga curva de aprendizaje entender cómo se comportan los pigmentos en este material y cómo podría jugar con su fluidez y transparencia. Este nuevo grupo de pinturas presenta grandes dibujos coloridos de personas y follaje sobre fondos monocromáticos de bordes suaves de tonos vibrantes y pinceladas audaces. Tienen una calidad más atmosférica e invitan al espectador a contemplar y contemplar la interacción del color.
También he estado amentando mi uso de colores brillantes y líneas atrevidas en mi nuevo óleo sobre lienzos. Estas pinturas muestran primeros planos de personajes femeninos representados con líneas exageradas y colores brillantes y llamativos. Utilizo autorretratos y flores abstractas para añadir un elemento personal, mientras que los estilos de dibujos animados crean una sensación alegre y juguetona. Estilísticamente, estas pinturas reflejan mi propia integración de dos culturas, incorporando referencias visuales tanto del arte pop de Nueva York como del surrealismo latinoamericano.
¿Puedes guiarnos a través de tu proceso creativo y tu enfoque de una nueva pieza?
No pinto a partir de la observación; mis retratos no representan tanto la realidad. En cambio, salen de mis sentidos, imaginación, expectativas y recuerdos. Mi proceso creativo consiste principalmente en transformar y reinterpretar esta “vida interior” en el lenguaje simbólico de mis pinturas.
Mi trabajo se centra en la relación inextricable del cuerpo con su paisaje y entorno. Así que, al vivir entre Nueva York y Río, encuentro mucha inspiración en las vibrantes culturas y los entornos inmersivos de ambas ciudades.
Nueva York inspira y estimula mi creatividad, sobre todo porque me da acceso a exposiciones y al trabajo de otros artistas contemporáneos. Ser capaz de recorrer los estudios de esos artistas y discutir sus ideas y procesos creativos ha sido invaluable para mí. La exposición constante a las diversas perspectivas de mis compañeros me mantiene a la vanguardia del discurso artístico, lo que me permite crecer y desarrollarme como artista.
Estar en casa, envuelto por la naturaleza en largos días bajo el sol, es vigorizante. Cuando estoy en el estudio, invito a todos mis recuerdos corporales de estas experiencias, destellos de sentimientos, formas, colores y texturas fuera de mi conciencia, para guiar mis decisiones creativas.
Normalmente doy forma a una idea dibujando y haciendo pequeños estudios: investigando técnicas, experimentando con diferentes materiales y creando prototipos. Pero una vez que empiezo una pintura, tengo que dejar de llevar ese concepto o boceto inicial e ir a donde me lleve la pintura.
En julio pasado, cuando empecé a experimentar con la pintura sobre seda, solo tenía una vaga idea de la atmósfera que quería transmitir. Me llevó un tiempo entender qué materiales probar y cómo controlar los pigmentos para crear diferentes efectos. Empecé probando la consistencia y la aplicación de color de la pintura en un pequeño parche de seda estirado. Después de unos pocos trazos, me di cuenta de cómo la pintura y el color se comportaban de manera diferente cuando se aplicaban a un material transparente. Intrigado por este nuevo aspecto, continué trabajando con pintura, superponiendo diferentes colores para crear una composición abstracta. Mientras pintaba, empezó a surgir un dibujo. Solo después de dar un paso atrás me di cuenta de que esta nueva combinación de material y color abriría un nuevo mundo de posibilidades creativas para mí. Siempre me ha llamado la atención cómo la pintura incita a tantos descubrimientos: las cosas se me ocurren cuando una marca de pincel conduce a otra. Esto parece infinitamente divertido, interesante y misterioso.
¿Puedes contarnos más sobre el uso de colores brillantes y formas audaces en tu arte, así como el juego entre el fondo y el primer plano en algunas de tus pinturas?
Si bien la cultura brasileña se asocia a menudo con sus colores brillantes, no se puede decir lo mismo del arte brasileño moderno más destacado. Al crecer en Río, estaba rodeado principalmente de arquitectos y pintores modernistas, desde Oscar Nyemeyr hasta los “Concretistas” y los “Neoconcretistas”. La mayoría de los artistas de esta generación creían que la pintura debería estar completamente libre de representación e implicaciones simbólicas, con Waldemar Cordeiro afirmando: “Defiendemos el verdadero lenguaje de la pintura que se expresa con líneas y colores que son líneas y colores y no quieren ser peras ni hombres”. Los concretadores brasileños querían una geometría rigurosa y paletas monocromáticas en la búsqueda de una visualidad pura y bidimensional. Así que, como muchos artistas jóvenes de mi generación, mi sentido de la estética estuvo fuertemente influenciado por los valores de la pureza, la elegancia y el minimalismo.
Pero las cosas cambiaron cuando asistí a The Slade y me sumergí en una nueva tradición de pintura, que celebraba el exceso, lo abyecto, la fluidez de la pintura, lo cómico y lo grotesco. Ese fue el punto de mi carrera cuando empecé a jugar con colores brillantes y formas a gran escala.
Si mi tiempo en Londres marca una búsqueda rebelde de la libertad de la rigidez, mi trabajo más reciente ha sido menos reaccionario: ahora incorporo ambos lados de mi interés por la pintura. Por un lado, mi forma plana y objetiva de construir una pintura está influenciada por las tradiciones de hormigón y neocreto. Y la forma orgánica del cuerpo en mis composiciones se hace principalmente geométrica, ya que juego formalmente con la noción de fondo y primer plano. Por otro lado, mi trabajo es reconocido por su juego con el color, la forma y la textura. Los tonos vibrantes y las pinceladas audaces crean una actitud maximalista que evoca sentimientos de alegría y transmite una sensación de energía y movimiento. Por cliché que parezca, este cambio en mi trabajo también refleja un cambio en mi mundo interior, reflejando mis observaciones y lecciones de diferentes tradiciones artísticas.
Incorporas elementos de la naturaleza en muchas de tus pinturas. ¿Puedes hablar sobre la relación entre tus sujetos o autorretratos y esos elementos?
Nunca tuve la intención de pintar autorretratos. Cuando me pinté por primera vez, vivía en Kenia y me centraba en pintar paisajes. Sin embargo, a pesar de que estaban desprovistos de personas, mis pinturas de paisajes ya representaban paisajes interiores; expresaban apegos emocionales a lugares en lugar de lugares reales. Internamente, no estaba distinguiendo entre los lugares y mis experiencias subjetivas de ellos; entendía mi cuerpo como inextricablemente conectado a estos paisajes: eran extensiones de mi cuerpo y viceversa. Es por eso que, en mis pinturas, las flores pueden convertirse en ojos, y los mechones de cabello se convierten en tallos entrelazados con hojas y follaje. Poco a poco, los paisajes comenzaron a ser personificados. Las caras y los cuerpos surgieron de las capas de pintura hasta que me atreví a abordar completamente la figura, que siempre había estado presente en la pintura pero nunca se había representado. Hasta el día de hoy, a veces siento que todavía estoy pintando paisajes; las flores, el follaje, las estrellas y otros elementos a la vanguardia del plano de la imagen tienen el cuerpo como su paisaje. En las pinturas, yo soy la montaña, el cielo, el océano, el lugar donde se lleva a cabo el sueño de las pinturas.
¿Qué pretendes entender sobre ti y tu cuerpo pintándote retratos?
Frida Kahlo declaró: “Pinto autorretratos porque soy la persona que mejor conozco”. Me pinto en una búsqueda casi frenética de una esencia del yo. Cuando empecé a mirar y representar la figura en mis pinturas, me di cuenta de que mis intereses no se deban en representar “precisamente” el cuerpo o la anatomía de la figura. A través de la forma simple y esquemática en que represento mis figuras, casi como dibujos animados, me di cuenta de que mi énfasis no estaba en describir el cuerpo, me estaba acercando al cuerpo como un símbolo. Lo que simboliza es la pregunta que aún no he respondido.
Mis pinturas a menudo presentan obstrucciones en forma de estrellas, corazones, flores, pétalos y cabello. Estos conson un laberinto para la mirada del espectador mientras intentan encontrar la figura. Estas metáforas siguen repitiendo mientras busco el yo: filtros, pantallas, bloqueos y un retroceso eterno, evasión del yo.
¿Cómo ves que tu arte impacta o resuena con los espectadores?
En el momento de mi investigación en Yale, no me veía representado en las pinturas de los artistas brasileños contemporáneos que admiraba. Me pregunté: desde 1950, ¿quién ha pintado a una mujer brasileña? Encontré solo unas pocas referencias contemporáneas y me alarmé mucho. Pensar en cómo nos vemos a nosotros mismos como mujeres reflejadas en nuestra sociedad me obsesionó con traer esta figura a mis pinturas, que es tan difícil y carente de referencias.
Mucho ha cambiado desde entonces. Las mujeres pintoras han ganado terreno y reconocimiento en todo el mundo. Dado el tema de la última Bienal de Venecia, las mujeres brasileñas parecen ser el foco de muchas artistas fuertes y jóvenes que han surgido de la escena Tupiniquim, como Renata Felinto, Gê Viana y Larissa de Souza. Quiero que mi trabajo contribuya a una creciente búsqueda de las mujeres en Brasil para recuperar nuestra herencia e imagen y representarnos a nosotros mismos a través de nuestra propia mirada. La representación en la pintura y otras manifestaciones culturales es importante porque ayuda a las personas a verse a sí mismas y a sus experiencias reflejadas en la sociedad, lo que ayuda a validar su identidad y existencia. Esto puede conducir a un sentido de pertenencia, a un aumento de la autoestima y al reconocimiento del patrimonio cultural de uno. Cuando las personas se ven representadas, pueden comprender mejor su historia y tradiciones culturales, fomentando un sentido de orgullo y respeto por su herencia. A mayor escala, la representación puede promover la diversidad, la inclusión y la comprensión cultural, desafiando las narrativas dominantes y ayudando a romper los estereotipos y los prejuicios.
¿Cómo combinas las técnicas tradicionales con elementos contemporáneos en tu práctica artística?
A pesar de que uso pintura al óleo de una manera tradicional, pinto sobre lienzo con pigmentos y aglutinantes muy antiguos, mis pinturas aún así incorporan referencias a la cultura popular. Estos incluyen de todo, desde moda hasta imágenes digitales, pegatinas de dibujos animados, emojis y filtros, y reflejan mi inevitable participación e inmersión en nuestro actual paisaje cultural digital/capitalista avanzado. También uso herramientas digitales como Photoshop para crear bocetos preliminares o manipular fotografías que se pueden usar como referencias para mis pinturas al óleo. Este collage digital aparece en mis pinturas, que yuxtaponen elementos de fuentes y lenguajes visuales muy diferentes. Nos hemos acostumbrado a este enfoque de collage, aunque se ve muy diferente de las manifestaciones anteriores de los collages en la pintura.
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